Massimo De Carlo画廊近期举办了麦克阿瑟·比尼恩（McArthur   Binion）在亚洲的首次个展。在香港的展出与立木画廊进行了联合呈现，也与其在香港和首尔的画廊同步揭幕。这场联合展出横跨了三个空间，为观众带来了前所未有的机会去欣赏这位世界瞩目的72岁美国艺术家的新作品。

　　在其长达五十年的装配画实践中，比尼恩不断挑战不同种类的艺术家身份。“抽象”、“极简”这样的概念常常被拿来形容他的大型绘画，但是比尼恩自己却反对这种对作品的生硬归类。在他丰富而又动荡的职业经历中，比尼恩发展出一套极为复杂的方法，通过在大尺寸画布上叠加颜料和私人纪念品，将自己交织的回忆，还有过去美国的历史记忆与他的体验融为一体。

　　20世纪70年代，比尼恩将自己沉浸在人尽皆知的纽约城中的艺术景观里，与尚·米榭·巴斯奇亚（Jean-Michel Basquiat）、玛丽·布恩（Mary Boone）还有索尔·勒维特（Sol LeWitt）这样的艺术家交往、合作。在  80  至  90  年代间，他的风格更多从手势抽象的行动绘画，转变成极为精简、绚丽和几何式的抽象艺术。比尼恩独特的叙事插入、个人过往以及对内容的强调，使他的作品从其他艺术家更为简约的极简主义创作中脱颖而出，持续至今。在他此前于Massimo De Carlo伦敦画廊展出过的DNA系列中，艺术家将私人文件，比如自己出生证明的底片（有很多人和他有一样的情况 ，出生在乡村地区，他们的出生从来没有被记录下来），还有其旧通讯录里手写的几页纸，被层层叠叠的彩色网格覆盖着，在掩藏的同时也引出了他创作中的叙事元素。这些作品在2017年威尼斯双年展中，首次展现在国际舞台。

　　通过使用诸如此类私人文件，比尼恩宣告了自我的存在，而颜料涂层则包含了艺术家在美国对于权威和艺术世界的体验。于是，画布上交织的表层变为抽象的形状和动机：艺术家归档的所有物 ，只能在物理距离上非常靠近画布时才能看到，画笔将这些物品转变为有质感的图形，这反映了现代派在麦克阿瑟·比尼恩创作中造成的巨大影响。

　　在他最新的绘画作品《手：作品：II》（Hand：Work：II）中，比尼恩用自己的手作为一种符号，在大型画布上不断重复。这是他个人触摸作品的一种标志，手的姿态也暗示了其创作具有耗时和大工作量的本质。将自己的手融入绘画中也指代了自我生成这一主题的意图，将《手：作品：II》系列代入新的概念领域，包括表演性的自我肖像，拓展了其作品内容。另外，比尼恩也把他早期绘画中那些大胆、明亮的色调，变成彩色的墨汁，泼在他当时地址簿的复印件上，流淌开来。近年来，比尼恩已逐渐成为同辈艺术家中十分重要的一位，通过将其个人历史融入这些看似简单的绘画中来实现拥抱新型、商业级材料的后极简主义，与更加个性化、正统、严肃的极简主义的结合 。

标签： 绘画  极简主义  

上一篇：全球十大美术馆盘点

下一篇：迪拜的新博物馆不再避视中东冲突